LA MUSIQUE


La musique est la science et l'art, consistant à arranger et ordonner les sons et les silences au cours du temps (le plus souvent de façon rythmée), de sorte que les sons obtenus soient agréables à l'oreille.
La musique est l'une des pratiques culturelles les plus anciennes. Elle comporte fréquemment une dimension artistique. La musique s'inspire toujours d'un « matériau sonore » pouvant regrouper l’ensemble des sons perceptibles, pour construire ce « matériau musical ». L'ouie, qui est le plus adapté de nos sens pour la connaissance des sentiments est, a contrario, le moins apte à la connaissance objective. La musique est un concept dont la signification est multiple, il en résulte qu'elle ne peut avoir une définition unique en regroupant tous les types de musique, tous les genres musicaux.

Définition sociale
Derrière la multiplication des définitions possibles, se trouve en fait un véritable fait de société, qui met en jeu des critères tant historiques que géographiques se retrouvant dans les différents types de musique.
La musique passe autant par les symboles de son écriture (les notes de musique) que par le sens qu’on accorde à sa valeur affective ou émotionnelle. C’est pourquoi, en occident, le fossé n’a cessé de se creuser entre ces musiques de l’oreille (proches de la terre, elles affirment une certaine spiritualité et jouent sur le parasympathique) et les musiques de l’œil (marquées par l’écriture, le discours, et un certain rejet du folklore). Nos valeurs occidentales ont privilégié l’authenticité et inscrit la musique dans une histoire qui la relie, par l'écriture, à la mémoire du passé. Les musiques d’Afrique, elles, font plus appel à l’imaginaire, au mythe, à la magie, et relient cette puissance spirituelle à une corporalité de la musique. L’auditeur participe directement à l’expression de ce qu’il ressent, alors qu’un auditeur de concerts européens est frustré par la théâtralité qui le délie de la participation de son corps. Le baroque constitue en occident l’époque charnière où fut mise en place cette coupure. L’écriture, la notation, grâce au tempérament, devenait rationalisation des modes musicaux.
Évolution de la musique
La libération de l’attitude esthétique du compositeur vis-à-vis des règles et des interdits, et celle, concomitante, des liens qu’il noue avec l’auditeur ne va jamais sans heurts. Toutes les formes de communication envisagées par la musique sont une nécessité sans laquelle il ne saurait y avoir d’histoire. L’évolution historique des courants stylistiques est jalonnée de conflits et d’idylles. Chaque époque est concernée par de telles remises en cause.
L’histoire de la musique travaille à la marge de la société. Ainsi, la place prépondérante qu’occupe Jean-Sebastién Bach dans le répertoire de la musique religieuse, conséquence du génie créatif de ce musicien d’exception, ne peut nous faire oublier tous les compositeurs qui l’ont précédé et qui ont tissé ces liens avec le public en le préparant à des évolutions stylistiques majeures. L’œuvre de Bach concentre de fait un faisceau d’influences allemandes, italiennes, flamandes et françaises, toutes mises par le Cantor au service d’une fonction.
On perçoit en fait que le lien entre l’évolution des techniques et l’écriture, entre les adéquations matérielles (instruments, lieux, espaces) et l’expression, réussit surtout à enfermer le compositeur dans la double ambiguïté du carcan systémique et de la libération expressive. La musique se construit autour de structures, de catégories, qu’il faut savoir dépasser (travail aux limites). Elle a souvent oscillé au cours des siècles entre une rhétorique de la litote et du minimum d’éléments syntaxiques et une excessivité, dilution dans l’emphase, révolte contre les alignements conceptuels. Le pouvoir expressif passe d’apports strictement personnels à une complexification qui dénature les premières richesses de la nouveauté en cherchant à épuiser les ressources du matériau initial.

Classification musicale
Il existe plusieurs manières de classer la musique : par type, par genre, par zone géographique, par liste chronologie, etc. Voir aussi les principesde classement des documents musicaux.

Genre musical
Il y a deux types de musique, la musique vocale et la musique instrumentale génèreront des genres musicaux différents.
Lieu de destination
Le lieu de destination peut parfois déterminer un genre ou un autre. Il peut s'agir de musique destinée à être jouée en extérieur ou en intérieur et dans des types de lieu varies.
Durée moyenne de la musique
La durée moyenne de l'oeuvre musicale peut intervenir pour certains genres. Par exemple, le genre opéra, possède généralement de vastes proportions, tandis que le genre chanson est d'une durée habituellement plus modeste.
Genre et type de musique
Le genre musical doit tout d'abord être distingué du type de musique. En effet, un même genre peut appartenir à plusieurs types de musique. Le genre chanson, par exemple, se retrouve aussi bien dans la musique de la Renaissance, que dans la musique populaire du XXe siècle. D'autre part, un même type de musique peut évoluer dans plusieurs genres. La musique romantique, par exemple, a exploité divers genres musicaux, tels que l'opéra, la symphonie, le ballet, le concerto, etc.
Genre et style musical
Le genre musical enfin, doit être distingué du style musical. Le style musical sert normalement à caractériser la « manière de faire de la musique », propre à tel ou tel musicien, et ce, même si le style d'un interprète ou d'un compositeur est susceptible de varier en fonction du répertoire et du genre abordé.

Musicien
Un musicien est une personne qui joue ou compose de la musique.
En matière de musique vivante, on peut partir de l'opposition entre le musicien exécutant — chanteur ou instrumentiste — et l'auditeur de musique, dont le rôle est évidemment plus effacé. Cependant, lorsque chacun est à la fois exécutant et auditeur — par exemple, les membres d'une communauté religieuse en train de chanter des cantiques — cette distinction devient inopérante.
Une deuxième opposition vient s'ajouter à la précédente et concerne les seuls musiciens : il s'agit de la distinction entre, d'une part le compositeur, qui « pense » et « écrit » la musique — pour les types de musique possédant un système de notation —, d'autre part l'interprète, qui exécute celle-ci — avec selon les cas, une plus ou moins grande part d'invention personnelle et d'improvisation. Certains musiciens célèbres, interprètes — individus ou groupes — ou compositeurs, ont laissé dans l'histoire des traces justifiant une étude biographique distincte du courant musical auquel ils appartiennent.
Les musiciens peuvent être classés selon la manière dont ils font de la musique :
Un chanteur utilise sa voix.
Un instrumentiste joue d'un instrument de musique.
Un compositeur compose de la musique.
Un chef, chef d’orchestre ou chef de chœur, dirige un ensemble musical.
Un auteur-compositeur-interprète écrit le texte et la musique de chansons qu'il chante lui-même.












HISTOIRE DE LA MUSIQUE

Antiquitè

La musique primitive
Vieille comme le monde, la musique existe dès le commencement des temps, et ses origines se confondent avec celles de l’homme. Il semble évident qu’à l’origine elle fut surtout dominée par le rythme. De cet art primitif, chants de travail et chants incantatoires en particulier, subsistent de nos jours chez certaines peuplades d’Afrique ou d’Amérique. Le primitif appelle Esprits, et plus tard Dieux, tous les phénomènes qu’il ne peut expliquer : croissance d’un végétal, ordre des saisons, beau temps et orage, douleur et plaisir, vie et mort, etc... Pour agir sur les animaux, les personnes et les choses, existent de nombreuses incantations : contre la morsure des serpents, contre les maladies, pour communiquer avec les esprits, pour dompter les animaux, pour assouvir la colère et la vengeance, pour obtenir la pluie ou le beau temps, pour évoquer les fantômes, pour ramener les morts sur la terre, pour chasser ou pour apaiser les démons, etc.

Egypte

Nous ne possédons aucun fragment de musique notée, aucun traité datant de l’ancienne civilisation égyptienne. Mais les documents iconographiques, bas-reliefs, peintures murales dans les temples et les tombeaux, vestiges d’instruments, inscriptions, papyrus, permettent de fixer avec assez de certitude les habitudes artistiques, et de supposer que ce peuple fut passionné de musique et de danse. De la théorie nous ne savons rien. Le rythme se marquait sans doute par le frappement des mains, et la danse se scandait à l’aide des crotales, de la maïnit (même famille), du sistre, du tambourin, du tambour de basque. Entre autres instruments en usage, les fresques retrouvées lors de fouilles archéologiques représentent des flûtes ,trompettes militaires et hydraules. Les prêtres utilisaient le sistre - symbole plus qu’instrument - et les clochettes dans les cérémonies culturelles.

Grèce

La musique dans la vie grecque
Profondément influencée par l’Orient, la musique se présente d’abord en Grèce sous la forme vocale, puis instrumentale. Institution d’Etat, elle joue un rôle extrêmement important dans la vie publique et privée. Mariages, funérailles, cérémonies religieuses, banquets, concours d’athlètes, réjouissances nationales de tous genres, citadines et rurales, s’accompagnent de manifestations musicales.
A cause de leur valeur morale et esthétique reconnue, musique et poésie, intimement liées et souvent unies à la danse, occupent une très grande place dans les programmes éducatifs dès les premières années de scolarité. Et les artistes, largement rémunérés, jouissent d’une haute considération populaire et aristocratique.



La musique a Rome

Rome subit d’abord l’influence de la civilisation étrusque en plein épanouissement au VIIe siècle avant J.-C. Les peintures des nécropoles, articulièrement dans la région de Tarquinia, les vases, les coupes, montrent le rôle important confié à l’aulos double (tibia des Romains) dans les fêtes et cérémonies. Les Étrusques utilisent également la cithare, la lyre, la trompette droite, la trompette courbe, les crotales. Après la révolte du Latium contre les Étrusques, la république est proclamée en 5 10 avant J.-C., et Rome impose sa domination. Après Plaute (250- 184 avant J.-C.), les dramaturges confient aux compositeurs le soin d’écrire la partition de leurs pièces. Peu à peu, les Romains prennent goût aux manifestations artistiques, aux pantomimes à grand spectacle, aux jeux de cirque en particulier. Les empereurs eux-mêmes donnent l’exemple : Néron n’hésite pas à affronter le public en qualité de chanteur et de citharède.
Jazz
Le jazz est un genre de musiqué aux États-Unis au début du XXe siècle. Issu du croisement du blues, du ragtime et de la musique européenne, le jazz est considéré comme la première forme artistique à s'être développée aux États-Unis.
Étymologies du mot Jazz
Au delà de la difficulté à définir précisément la musique qu'il désigne, l'origine du mot jazz est elle-même sujette à controverses. Les hypothèses avancées quant aux origines de ce nom sont multiples et aucune ne semble faire l'unanimité. Le mot jazz pourrait être dérivé du nom de musiciens (comme Chas Washington) ; de l'argot avec des connotations sexuelles ou qui indiquent l'énergie ou la force ; du jasmin que l'industrie cosmétique française avait utilisé dans ses parfums, qui étaient vendus à Nouvelle-Orléans (une théorie de Garvin Bushell) ; d'une déformation du chassé ou chasse-beau, figure du cakewalk (danse du gâteau, à la mode au XIXe_siècle), ou des racines africaines comme le mot bantou jaja (« danser », « jouer de la musique »), sur le terme africain jasi (« être excité ») ou jaiza (« son lointain des percussions »). La dernière appellation viendrait de certaines tribus indonésiennes qui appelaient "jaze baqti" une musique rythmée... Les recherches de Gerald Cohen indiquent que le mot apparaît pour la première fois sous la plume de E. T. « Scoop » Gleeson dans le San Francisco bulletin en mars 1913. Il appartient alors au jargon du baseball pour désigner l'énergie d'un joueur. Le mot aurait été employé pour qualifier la musique du groupe d'Art Hickman qui jouait dans le camp d'entraînement des San Francisco Seals. Le groupe endossa l'adjectif lors de ses engagements à New York en 1914 et le terme se répandit progressivement jusqu'à Chicago avant de revenir en Nouvelle-Orléans sous la forme d'une lettre de Freddie Keppard à King Oliver qui le popularisera dès 1917 avec son protégé, Louis Armstrong.
Le terme était diversement apprécié des musiciens pour ses connotations scabreuses (Duke Ellington en particulier préférait l'appellation « Negro music »). Durant les années 1930 et 1940, de nombreuses alternatives ont été proposées telles que ragtonia, syncopep, crewcut, Amerimusic, ou encore jarb, sans grand succès. La diffusion du mot « jazz » (bien que sous sa forme Jass) est largement associée à son apparition sur le premier enregistrement du style, en mars 1917 par l'Original Dixieland Jass Band.
Le jazz est apparu aux Etat-Unis, en Louisiane, précisement à la Nouvelle-Orléans, à la fin du 19ème siècle ou début 20ème selon les sourcesééé[réf. nécessaire]. Il est le fruit du métissage entre la culture européenne importée par les colons Français, Allemand, Espagnol et Irlandais et celle du peuple noir américain issu de l'esclavage. L'une des principales influences du jazz, outre les chants religieux (Negro spirituals, puis gospel songs) et les work songs (chants de travail des esclaves dans les plantations de coton) fut le blues, une musique rurale qui évolua avec la migration des populations noires vers les grandes agglomérations, à la fin du XIXe siècle.
Parmi les premiers musiciens de jazz, nombreux étaient ceux qui vivaient de leur prestation dans de petites fanfares ; les instruments de ces groupes devinrent les instruments de base du jazz : cuivres, instruments à anches et batterie.
La fin de la guerre civile, et les surplus d'instruments de musique militaire qu'elle entraîna, ne fit qu'amplifier le mouvement. Les premiers jazz bands utilisaient fréquemment la structure et le rythme des marches, qui étaient le type de musique de concert le plus courant à l'époque.Malgré ses racines populaires, on trouve parmi les créateurs du jazz des musiciens de formation classique, tels que Lorenzo Tio ou Scott Joplin (pianiste de ragtime dans un hôtel qui composait en même temps un opéra – ce qui montre bien toutes les influences dont a pu hériter le jazz à cette époque).
Un événement important dans le développement du jazz fut le durcissement des lois de Jim Crow sur la ségrégation raciale en Louisiane, dans les anneées 1890. Les musiciens professionnels de couleur ne furent plus autorisés à se produire en compagnie de musiciens blancs ; en revanche, ils trouvèrent facilement du travail parmi les fanfares et les orchestres noirs, qu'ils firent profiter de leur expérience de conservatoire.
À l'aube de la Primière Guerre Mondiale, on assista à une libéralisation des coutumes. Des salles de danse, des clubs et des salons de thé ouvrirent leurs portes dans les villes, et des danses noires telles que le cakewalk et le shimmy furent peu à peu adoptées par le public blanc, principalement les jeunes (les flappers). Ces danses apparurent tout d'abord lors de spectacles de vaudeville, puis lors de démonstrations de danse dans les clubs. La plupart du temps, la musique de ces danses n'avait rien à voir avec le jazz, mais c'était une musique nouvelle, et l'engouement pour cette nouvelle musique expliquait l'engouement pour une certaine forme de jazz. Des compositeurs célèbres tels qu'Irving Berlin s'essayèrent alors au jazz, mais ils n'utilisaient que rarement cet attribut qui est la seconde nature du jazz : le rythme. Néanmoins, rien ne popularisa plus le jazz que le titre d'Irving Berlin Alexander's Ragtime Band (1911). Son succès fut tel qu'on l'entendit jusqu'à Vienne.

La naissance officielle
L'apparition des phonographes permit la diffusion de cette nouvelle musique. C'est l'enregistrement du premier disque en 1917 par l'Original Dixieland Jass Band (ironiquement un orchestre de musiciens blancs) qui marque la naissance officielle du jazz. Notons qu'avant la généralisation du phonographe, il a été enregistré de nombreux morceaux avec le piano mécanique. Ainsi a-t-on gardé de nombreux rouleaux de Scott Joplin.
King Oliver a été le chef d'un premier orchestre important, le « Creole Jazz Band » dont fera partie Louis Armstrong. Jelly Roll Morton a su transformer la musique de ragtime en jazz et il a enregistré avec ses « Red Hot Peppers » (qui comprenaient les meilleurs musiciens de Chicago) des chefs d'œuvres. Lors de quelques enregistrements spécifiquement destinés au public noir (les race records) Louis Armstrong amena une première évolution décisive du jazz : il jouait avec un orchestre typique de La Nouvelle-Orléans, ces orchestres où tous les musiciens improvisent simultanément. Mais Louis était un improvisateur hors pair, capable de créer des variations infinies à partir d'un même thème. Ses musiciens l'imitèrent, non plus tous en même temps, mais chacun leur tour. C'est ainsi que le jazz devint une forme de musique en solo. (voir Jazz Nouvelle-Orléans).
L'apparition des salles de danse influença le milieu du jazz de deux façons : les musiciens se firent plus nombreux, puisqu'ils commençaient à pouvoir vivre de leur musique, et le jazz – comme toutes les musiques populaires des années vingt – adopta le rythme 4/4 de la musique de danse.

1980 à aujourd'hui
Depuis la période de fusion de jazz et rock, la diversité stylistique du jazz n'a pas décru. Le jazz a absorbé des influences de sources aussi disparates que la world music, la musique classique d'avant-garde ou les rythmes africains, et utilisant plus couramment la gamme chromatique (avec des musiciens comme Ornette Coleman, Arthur Doyle ou John Zorn).

Néanmoins, les amateurs de jazz sont beaucoup moins nombreux, et divisés entre les plus âgés, préférant le jazz traditionnel, un petit noyau de musiciens et de fans plus intéressés par un jazz moderne plus expérimental, et un groupe en constante évolution de musiciens mélangeant les différents types de jazz avec des genres musicaux contemporains, formant des styles différentes.
Quelques courants mêlant jazz et musiques plus populaires sont apparus dans les années 80. L'identification claire de ces courants par un nom n'est pas le signe d'une quelconque vitalité, ou importance en nombre de musiciens, mais bien une technique commerciale.
L'acid jazz de la fin des années 1980 et des années 1990 mélange des éléments de jazz avec les styles disco des années soixante-dix. L'acid swing des années 1990 combine les styles des big bands des années quarante avec des sons plus rapides et plus agressifs de batterie et de guitare rock.
Le smooth jazz des années 1980 est une variante très accessible du jazz, mêlant des sonorités douces (smooth : doux, lisse en anglais) au côté très 'Jam' du jazz. Plus souvent instrumental que chanté, il utilise souvent divers synthétiseurs, accompagnée d'une mélodie par un instrument jouant en solo. Le smooth jazz est très vendeur aux États-Unis, mais aussi très controversé, parce que considéré par les amateurs de jazz comme pauvre musicalement et uniquement commercial.
La majorité des musiciens considèrent cependant qu'il jouent du jazz, malgré l'extrême diversité des musiques que l'on classe désormais sous ce nom. Il est aujourd'hui illusoire de pouvoir identifier divers courants dans le jazz moderne, ce sont essentiellement des personnalités qui émergent. Quelques tendances sont toutefois perceptibles:
Une tendance revivaliste, surtout active aux états-unis, et dont la figure de proue est généralement identifiée comme étant Wynton Marsalis. C'est une génération de jeunes musiciens, généralement dotés d'une technique irréprochable, et très conscients et respectueux de l'héritage du jazz classique des années 30-50. Représentants: Wynton Marsalis, Cyrus Chesnut, Branford Marsalis, Kenny Garrett, Joshua Redman...
Une tendance européenne, marquée par la maison de disques ECM. Sous l'impulsion, entre autres, de Jan Garbarek, John Surman, Egberto Gismonti, mais aussi de musiciens américains comme Ralph Towner ou Bill Frisell, s'amorce dès les années 70 une tendance où le rythme est beaucoup moins prédominant, au profit d'une grande place donnée à la mélodie, et à l'expressivité. Cette musique intègre l'héritage du free jazz, tout en possédant une structure généralement plus classique. Elle s'inspire aussi de la musique contemporaine ou des musiques du monde.


La musique Moderne

Au cours des années 1950et 1960, Luciano Berio, Pierre Boulez et Luigi Nono essaieront également soit de créer des œuvres avec des sons électroniques (enregistrés sur bande), soit de mêler sons enregistrés et exécution instrumentale ; mais la technologie étant assez rudimentaire à l'époque, Ces techniques évoluèrent considérablement, en particulier avec l’apparition de l’informatique et des différentes méthodes de traitement et de syntèse sonore. Les représentants de ces techniques en France sont entre autres Pierre Henry et Pierre Schaeffer, inventeur de la musique concrète en 1948 et qui fonda le Groupe de recherches musicales en 1958. Ils tentèrent, avec l'aide du tourne-disque puis du magnétophone, de mettre en œuvre un nouvel art sonore. Cette musique sur bande, née des recherches sur la nature du sonore et du musical, est désignée comme "concrète" pour l'inversion du processus de composition qui la caractérise. Au lieu de partir de ces valeurs abstraites que sont les notes pour aller vers le concret d'un résultat sonore, cette musique prend pour départ des données sonores enregistrées, d'origine acoustique ou électronique, organisées par montage et mixage, où la composition est fondée sur l'écoute directe du résultat en un constant aller-retour du faire à l'entendre pour aboutir enfin à cette abstraction qu'est la musique.
Depuis l'arrivée de l'ordinateur personnel, le traitement électronique du son permet de créer de nouvelles formes d'instrumentalisation de la musique, aussi bien au niveau de lasynthèse du son que du formalisme de la composition informatique musicale.
Il n'y a pas qu'une formule de musique életronique, mais de nombreuses variantes :
utilisation d'instruments électroniques par des musiciens en chair et en os
œuvre purement électroacoustique ou électronique, pré-enregistrée . La représentation publique de ces œuvres pose problème (que mettre sur scène ?), ce qui rend ce format plus adapté à la diffusion radiophonique ou à l'accompagnement d'un spectacle visuel.
œuvres mixtes bande/orchestre.L'intérêt consiste en la fusion de deux univers très différents : celui du son instrumental, le plus souvent de hauteur bien déterminée, joué par un musicien, et celui de tous les sons possibles (parfois des bruits sans hauteur déterminée), celui de la musique enregistrée à la temporalité immuable et du musicien en chair et en os qui doit se synchroniser.
transformations d’un son acoustique par des moyens électroniques en temps réel

Il est difficile faire une liste des chanteurs qu'an changé le cours de l'histoire musicale Beaucoup, beaucoup trop, on peut dire que ceux qui ont eu le plus d'influence sont les Beatles, mais aussi d'autres groupes tels que Rolling Stones, Pink Floyd, Genesis, Queen et Led Zeppelin, comme chantant il y a Elvis Presley ,Edith Piaf, Charles Aznavour, John Holiday et David Bowie ont joué un rôle loin d'être négligeable ...

Elvis Presley
Elvis Aaron Presley, surnommé « The King », (8 janvier 1935 à Tupelo, Mississippi – 16 août 1977 à Memphis, Tennessee) était un chanteur et un acteur américain. Son influence sur la culture musicale est mondiale.
De son vivant, Elvis a vendu environ 700 millions de disques, a joué dans 31 films, donné 1 054 concerts aux États-Unis et trois au Canada, donné 525 spectacles à Las Vegas. Il a été le premier artiste à donner un concert par satellite. Le concert eut lieu le 14 janvier 1973 à Hawaii et il fut regardé simultanément par un milliard de téléspectateurs dans 43 pays. Il est apparu dans sept émissions de télévision. À sa mort, sa fortune personnelle représentait 100 millions USD. Il est sans doute l'artiste solo qui a vendu le plus de disques dans le monde de son vivant mais également après sa mort car rien que de sa disparition en 1977 jusqu'à 1980, il s'est vendu 400 millions de disques d'Elvis. Pendant ces quatre années consécutives, il a été l'artiste décédé qui a rapporté le plus d'argent.
En sa Carrière musicale,Elvis enregistre cinq 45 tours pour Sun Records et Phillips l'envoie en tournée dans le sud des États-Unis. Les débuts sur scène du futur « King » du rock and roll sont assez maladroits, mais certainement pas timides. Les coups brusques de bassin du jeune homme, une innovation provocante pour l'époque, lui valent le surnom de « Pelvis » et amplifient sa notoriété.
Si les jeunes reconnaissent immédiatement en Elvis un des leurs, il n'en va pas de même pour leurs parents qui, scandalisés devant les déhanchements de plus en plus suggestifs d'Elvis, cherchent à le faire interdire. Elvis ne laisse personne indifférent : s'il agace l'Américain puritain, il devient une idole pour des millions de jeunes adolescents. Le dernier de ses cinq 45 tours, I Forgot to Remember to Forget, accompagné de Mystery Train, atteint la première place au classement des ventes de « singles».
En la carrière au cinéma dès 1956, Hollywood s'intéresse à lui. Sa première apparition sur écran en tant qu'acteur est surprenante. Le film parle de la guerre de Sécession et est mal perçu par les admirateurs d'Elvis qui s'indignent de voir leur idole du rock dans un pâle western. À partir de 1960,Elvis abandonne sa carrière de chanteur et se retire de la scène pour se consacrer à Hollywood. De ces longues années , seuls quelques films sur 27 méritent d'être cités : Flaming Star (1960), Blue Hawaii (1961), Fun in Acapulco (1962) avec Ursula Andress, Viva Las Vegas (1964) avec Ann-Margret et Charro (1969).


Les années 1970
Les années 1970 sont celles du triomphe. Mais aussi celles de la chute, du désespoir, de la déchéance et de la mort. Le monde s'efface devant cette superstar devenue charismatique. En 1972, il donnera une série de concert les 9-10-11 juin au célèbre Madison Square Garden de New York. Ce fut un grand retour à New York après 15 ans d'absence. Sa dernière visite fut lors de son passage à l'émission "The Ed Sullivan Show" en 1957. Par la suite, il donnera le premier concert par satellite de l'histoire à Hawaii. Ce grand événement eu lieu le 14 janvier 1973 au International Center Arena d'Honolulu.Apres Psychologiquement et mentalement miné, (entre autres par le départ de son épouse Priscilla et la mort de sa mere dont il se remettra toujours avec peine) Elvis a du mal à vivre, il a des accès de paranoïa, de schizophrénie, souffre de boulimie alimentaire et médicamenteuse. Entouré jour et nuit par une cohorte de gens prêts à assouvir ses moindres désirs, il ne sait plus où est le bien et où est le mal, il ne sait plus ce qu'est la vie. D'ailleurs, il a déjà dépassé la vie, vivant la nuit, mangeant la nuit caché derrière les hauts murs de Graceland, Elvis finit par confondre rêve et réalité.
Son décès, alors qu'il pesait 102 kilos, est dû à un abus de médicaments (cortisonne, somnifères puissants le soir d'où les énergisants le matin). Elvis se savait condamné, il était atteint d'une maladie rare et incurable : Lupus Erythémateux.


Charles Aznavour
Né Shahnourh Varinag Aznavourian le 22 mai 1924 à Paris, est un chanteur, compositeur et acteur français d'origine arménienne. Marié trois fois, il a eu six enfants . Charles Aznavour naquit dans une famille d’artiste qui lui fit rapidement découvrir le théâtre. C’est à l’âge de neuf ans, que le jeune Charles débuta sa carrière de chanteur et de comédien. En 1946, sa carrière connut un premier éveil lorsqu’il fut remarqué par la chanteuse Édith Piaf. Formant alors le duo Roche et Aznavour (avec Pierre Roche), ils accompagnèrent Piaf dans une tournée en France et aux États-Unis. L’année 1956 marqua un premier grand élan dans la vie du chanteur. Lors d’un récital à Casablanca, la réaction du public fut telle qu’Aznavour fut propulsé au rang de vedette. Pour sa première à l'Olympia, Aznavour écrivit Sur ma vie (1956) qui devint son premier succès populaire. Les contrats se succédèrent et, après un autre passage de trois mois à l'Olympia, sa carrière prit définitivement son envol à l’Alhambra où il créa Je m’voyais déjà (1960).
Au cours des années 1960, il enchaîna les tubes : Tu t’laisses aller (1960), Il faut savoir (1961), La mamma (1963), Et pourtant (1963) et La bohème (1966). Des chansons qui font pour la plupart référence à l’amour.
Ayant joué dans plus de soixante films et chantant dans cinq langues, Charles Aznavour est le chanteur français le plus connu dans le monde.
Depuis le terrible tremblement de terre de 1988 qui s'est produit en Arménie, Aznavour n’a cessé d’apporter son support grâce à la fondation Aznavour pour l’Arménie. Sa chanson Pour toi Arménie (1989), enregistrée avec la collaboration de plus de quatre-vingt artistes, s’est hissée au sommet des palmarès. Une place a été nommée en son honneur au centre d’Erevan en 2001, sur la rue Abovian.
En 1995, il acheta les éditions musicales Raoul Breton. Deux années plus tard, il fut nommé officier de la Légion d’honneur, puis commandeur en 2004. Ayant toujours conservé une amitié profonde pour le Québec, il se lia d'amitié en 1996 avec la chanteuse québécoise Lynda Lemay et décida de l'aider dans sa carrière.
En 1998, il revisita ses anciens succès en leur donnant une couleur jazz sur l’album Jazznavour, réalisé avec la collaboration de Dianne Reeves, Jacky Terrasson, Michel Petrucciani, Eddy Louiss, Richard Galliano et le pianiste, auteur-compositeur, arrangeur et membre du jury de La Nouvelle Star, André Manoukian. La même année, CNN et les lecteurs de Times Online à travers la planète ont élu Charles Aznavour Artiste de variétés du siècle. Aznavour fut reconnu comme le performer par excellence du siècle avec près de 18 % des votes, déclassant ainsi Elvis Presley et Bob Dylan. Depuis la mort de Frank Sinastra (avec qui il enregistra le duo You make me feel so young en 1993), Aznavour est considéré comme l’un des derniers monstres sacrés de la chanson.
En 2002, il tint le rôle principal de son film le plus personnel : Ararat d’Atom Egoyan sur le génocide arménien.
Au printemps 2005, Charles Aznavour amorça une tournée d’adieu nord-américaine qu’il débuta au Québec et qu’il conclut à l’automne de l’année suivante aux États-Unis et au Canada. Charles Aznavour qui fait partie des personnalités les plus appréciées de son pays (sondage de début 2007) se met à l'écriture de Nouvelles qui seront éditées en octobre 2007, où il aborde des thèmes familiaux, parfois sensibles.
Après plus de 60 ans de carrière, Charles Aznavour est devenu, et est resté, un des plus grands chanteurs français. D'après lui, il posséderait plus d'une centaine de textes de chansons qui seraient à achever...
Il y a quelques examples di chasons française: Que c’est triste Venise (1964), Pierre et le loup (1990), Labelle et la bête (Walt Disney Adès, 1992), Duets avec Frank Sinatra (1993) et colore ma vie (2007).



The Beatles
The Beatles est un groupe de musique britannique originaire de Liverpool. Composé de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, il demeure, en dépit de la séparation de ses membres en 1970, l'un des groupes de rock les plus populaires au monde. En douze ans d'existence, et seulement sept ans de carrière discographique, les Beatles firent paraître douze albums, de 1963 à 1970, et composèrent plus de 200 chansons, soit en moyenne un album tous les neuf mois, productivité particulièrement remarquable dans la période 1963-1966, où, entre les tournées incessantes et la participation à deux longs métrages, ils publièrent sept albums, treize singles et douze « maxis». Les Beatles demeurent les artistes ayant vendus le plus grand nombre de disques au monde. Ce chiffre était déjà estimé par EMI dans les années 1980 à plus d'un milliard de CD, vinyles et même 78 tours (en Inde) vendus à travers la planète, et il a continué à augmenter jusqu'à aujourd'hui. Par ailleurs, un biographe de Paul McCartney a calculé qu’à tout moment, l'une des interprétations de la chanson Yesterday (on en dénombre plus de 3 000) était jouée par une radio quelque part dans le monde.

Membres du groupe
John Lennon (né John Winston Lennon à Liverpool, le 9 octobre 1940, devenu John Ono Lennon de son mariage avec Yoko Ono en 1969, et mort à New York, le 8 décembre 1980) : auteur-compositeur, chant, piano, claviers, harmonica et guitare rythmique, fondateur du groupe, membre de 1957 à 1970 ;
Paul McCartney (né James Paul McCartney à Liverpool, le 18 juin 1942, devenu Sir James Paul McCartney par anoblissement en 1997) : auteur-compositeur, chant, piano, claviers, guitares et guitare basse, membre de 1957 à 1970 ;
George Harrison (né à Liverpool, le 25 février 1943, et mort à Los Angeles, le 29 novembre 2001) : auteur-compositeur, chant, guitare solo, sitar, claviers, membre de 1958 à 1970 ;
Ringo Starr (né Richard Starkey à Liverpool, le 7 juillet 1940) : batterie, chant, auteur-compositeur (à quelques occasions), membre de 1962 à 1970.

Hambourg
L'Indra, un club hambourgeois où les Beatles jouèrent à leurs débuts. C'est aussi à Hambourg qu'ils décrochent leur premier contrat d'enregistrement, chez Polydor, et en tant qu'accompagnateurs du chanteur et guitariste Tony Sheridan. Le 45 tours My Bonnie par Tony Sheridan and The Beat Brothers est publié en octobre 1961.
1963-1966 : la « Beatlemania »
Partie de Liverpool — où ils continuent jusqu'en août 1963 à enflammer le Cavern Club —, la popularité des Beatles se répand dans tout le Royaume-Uni qu'ils sillonnent inlassablement, y effectuant quatre tournées cette année-là. Les succès se suivent : From Me to You en avril, puis She loves You en août sont classés nº 1 au hit-parade. She Loves You et son fameux « Yeah Yeah Yeah! » rend les Beatles célèbres dans toute l'Europe. Leur passage, le 13 octobre 1963 dans le très populaire show télévisé londonien Sunday Night at the Palladium marque le début du phénomène que la presse britannique baptise la « beatlemania ». Disquaires pris d'assaut, ferveur généralisée, jeunes filles en transes... La « Beatlemania » fut un phénomène d’ampleur et à plusieurs facettes. La jeunesse prend goût à se coiffer et s’habiller « à la Beatles », comme en témoignent les photos de l'époque prises dans les rues. Ils deviennent des trend-setters, expression anglophone que l'on peut traduire en français par faiseurs de mode ou leaders de tendances. Extrêmement liés, par le simple fait qu'ils sont les seuls à « vivre la beatlemania de l'intérieur », considérant se trouver dans l'oeil du cyclone, voyant tout le monde s'agiter frénétiquement autour d'eux, se soudant autant que possible, très amis, les Beatles se voient affublés du surnom de « monstre à quatre têtes » au plus fort du phénomèn.

AUJOURD’HUI.....
Aujourd'hui un des groupes plus célèbres en France est : AaRON
Duo pop mélancolique composé de deux jeunes hommes, Simon Buret - chant, paroles, compos - et Oliver Coursier - compos et arrangements - AaRON naît d'une rencontre due au hasard. Au début de l'année 2004, une relation commune propose à Simon de se rendre chez Oliver, qui réalise plusieurs projets dans son studio parisien. Simon, dont le père est américain, apporte quelques textes en anglais et compose, aux côtés d'Olivier, un premier titre : 'The Endless Song'. En deux mois, les deux artistes écrivent huit chansons. Au bout d'un an, et en dépit des obligations professionnelles de chacun, ils décident de se retrouver et d'unir leurs talents sur la durée. Simon écrit des chansons essentiellement autobiographiques, comme 'Blow' et 'Angel Dust', ou s'essaye également à la reprise avec 'Strange Fruit'. 'U-Turn 'est le premier titre extrait de leur album 'Artificial Riding on Neverland'. C'est également la chanson originale du film 'Je vais bien, ne t'en fais pas' de Philippe Lioret. Aimée et téléchargée par des milliers d'internautes, cette chanson consacre le groupe. A travers l'ensemble de sa discographie naissante, AaRON invite son public à des promenades nostalgiques, imprégnées d'émotions.
Joe Dassin